IMPORTANTE: Todo lo descrito aquí es especulativo, no se ha hecho ni se ha expuesto al verdadero museo. Sólo he elegido la sala y museo por mi propio cariño al espacio y mi interés por Granada y Al-Andalus.

1. Selección del museo y análisis de la sala

El museo seleccionado es el museo de la Alhambra, se trata de una serie de salas una detrás de otra que se encuentran a la derecha de la entrada principal del Palacio de CarlosV, junto a los Palacios Nazaríes. El museo, actualmente, presenta una colección principalmente arqueológica,mostrando elementos relacionados con la Alhambra y Granada, como leones originales del Patio de los leones, cerámicas andalusíes, alicatado y herramientas, entre otros objetos. Este museo se encuentra jutno al Museo de Bellas Artes (comparten edificio), con pinturas emblemáticas de la ciudad y sus artistas.

Se trata de siete salas una seguida detrás de otra, que recorren el Palacio en su costado derecho. Las temáticas de las salas son:

Sala I: La ciencia, la fe y la economía Sala II: Periodo emiral y califal Sala III: Decoración arquitectónica califal y arte taifa al nazarí Sala IV: Período nazarí, edificios públicos Sala V: Periodo nazarí. La Alhambra y otros palacios de la ciudad Sala VI: Periodo nazarí. La rauda, la cerámica de lujo Sala VII: Periodo nazarí. La decoración y el ajuar.

Aunque cualquier sala se presta a este ejercicio, he elegido la sala V, donde se encuentra una de las piezas fundamentales de la colección (el Jarrón de las Gacelas) y otras piezas seleccionadas. La sala actualmente gira (literalmente) alrededor del Jarrón, pero muestra obras de taracea, ejemplos de alicatado y carpintería nazarí. He visitado el museo recientemente (13 de junio) , aunque no sea la primera vez, y he podido observar cómo el jarrón es lo primero que atrapa al visitante, ya sea por la iluminación o por estar en el centro, también porque es muy grande y es lo primero que se avista desde la entrada a la sala. El resto de obras bailan alrededor y tienen una narrativa que honra a la artesanía. La sensación que da es de admiración.

He elegido esta sala por varios motivos. Por un lado, esa narrativa centrada en la artesanía girando entorno a una pieza creo que da juego a la hora de incluir artesanías contemporáneas inspiradas en el legado nazarí. Por otro lado, siento una atracción fuerte por el jarrón, desde que lo vi en una exhibición anterior sobre cerámica nazarí. Me gustó tanto que me regalaron el catálogo especial de la exposición poco después, y siendo la pieza central de la sala, esa atracción personal creo que es relevante. Quería, además, usar los contextos y artículos de la publicación para el desarrollo de la práctica. He hecho un plano y análisis de la sala actual en mi libreta, y será sobre lo que trabaje como boceto:

2. Planteamiento curatorial

Como menciono en la sección anterior, la narrativa actual de la sala se centra en la artesanía nazarí, y destaca en el centro una pieza sorprendente, absorbiendo un claro protagonismo. El resto de piezas, que incluyen alicatado, las hojas de la puerta de cierre a la Qubba Mayor, los restos de solerías del Peinador de la Reina, Las puertas de alhacena del palacio de los Infantes, celosías, una colección de cerámica pintada con temas figurativos y de geometría, vidrios y otros (los he listado por posición en la libreta arriba).

Al entrar a la sala, esta está primero partida por un mueble-cristalera expositivo que funciona como pared. Pero una vez traspasada esta falsa pared, lo primero que destaca es el jarrón de las Gacelas.

El planteamiento curatorial sería una revisión de la artesanía contemporánea en cerámica y madera que se haya inspirado en las técnicas y la estética nazarí. Para ello, se incluirían displays con obras contemporáneas, también alrededor del jarrón. La idea es que las piezas dialoguen con los elementos actuales, y que su proximidad de indicios de relación, haciendo una selección que sea intuitiva para el visitante.

3. Incorporación de elementos externos

Aunque no sea una limitación estricta, me gustaría seleccionar artistas locales que dialoguen con las obras de una forma íntima, más allá de lo académico, a través de la proximidad y la ubicuidad de lo nazarí en el día a día. Esto no quiere decir que otras obras puedan encajar en la narrativa. Para empezar, en la entrada, junto a la puerta, colocaría un panel informativo.

La lista de artistas ha sido eliminada de este post, ya que no se ha pedido permiso, y he preferido dejarlo en el entorno académico, pero son dos pintores/dibujantes y una ceramista.

Además de les artistes seleccionades, dado que la narrativa de la sala gira entorno a la artesanía, he pensado en incluir detalles de alumnos de restauración y módulos de formación profesional relacionados con artesanías de granada, tales como los ciclos de alfarería, orfebrería y ornamentación islámica. El alumnado de restauración ha participado en diversas exhibiciones de Granada. Por ejemplo, en el Colegio Máximo, donde hay exposiciones itinerantes que comparten espacio con la facultad de documentación y comunicación, el alumnado de restauración ayudó a crear reproducciones de herramientas y objetos cotidianos de al-Andalus para una de las exhibiciones. Considero que incluir una vitrina con muestras e información de alumnado de este tipo, resalta la discusión acerca de la artesanía y el arte, sus divisiones y sus espacios comunes (Richard Sennet, El artesano; Larry Shiner, La invención del arte). En la sección siguiente incluyo detalles sobre este planteamiento.

Para encajar un aura diferente en la sala, utilizaría un tono musical específico, diferenciado, acompañado de una proyección geométrica. Una opción que podría encajar sería la generación de tonos de música basados en geometrías, por ejemplo en este caso se está utilizando un hexágono para general un tono musical con ayuda de un programa (no es IA), o hecho de cero por une artiste local a través de librerías disponibles de Python, BASH, etc (La Madraza, que coordina arte contemporáneo en Granada a través de la UGR, promociona el livecoding con artistas locales). Incluiría una placa con una nota al respecto cerca de alguna de las piezas de patrones geométricos de la colección.

4. Diseño de la exposición

He tomado algunas notas sobre el boceto original de la sala, y he seleccionado algunas fotos que ayuden a hacerse una idea de dónde y cómo se colocarían las modificaciones de la sala. Mi idea original es no interrumpir con las obras originales, si no crear un nuevo diálogo añadiendo objetos. Para ello, tomé algunas indicaciones previas para guiarme:

No recargar la sala: he eliminado de la selección final un par de artistas que había anotado inicialmente (un luthier y un dibujante). Como he decidido mantener las obras originales y sólo añadir, es fácil recargar la sala y generar una cacofonía visual, que es lo opuesto a lo que quiero. Por ello, tenía que comprobar la disponibilidad de la sala para modificar puntos clave dejando más o menos el mismo espacio disponible para la mirada al vacío y para moverse.

Iluminación y sonido: Utilizar recursos de ambiente para dejar claro que la sala es diferente a las demás, y dar espacio mental a los visitantes para hacerse a esa idea desde el comienzo.

Accesibilidad: Irrumpir lo menos posible en la accesibilidad, haciendo posible por ejemplo el paso de sillas de ruedas o espacio suficiente para personas con movilidad reducida. Antes de hacer este grado, realicé el grado de ingeniería informática, y como parte de unas prácticas realicé una aplicación de accesibilidad para un museo, para lo cual tuve que estudiar cuestiones de accesibilidad tanto motora como sensorial e intelectual. He “re-aprovechado” las notas que tomé entonces.

Narrativa: Teniendo en cuenta todo lo anterior, quería centrarme en destacar la artesanía, su relación con el “cubo blanco”, y su cercanía con las bellas artes.

Para empezar, para que los visitantes tengan el primer contacto, al entrar por la puerta colocaría una proyección sobre el suelo de la entrada, que acompañe a la música generada a través de algoritmos de geometría. Por ejemplo si usamos una melodía como esta, la proyección sería esa figura. De este modo, ya estamos “pausando” a las visitantes. Justo al lado de la puerta, colocaría un panel informativo sobre la exposición que pone en diálogo restos arqueológicos y artesanías/artes contemporáneas.

De este modo estamos dando una introducción con pistas visuales y sonoras (más el panel) de que algo es diferente, cambiando la predisposición de las visitantes, pero sin irrumpir con las piezas originalmente expuestas ni el espacio para moverse y acceder. A continuación, al entrar por la derecha para pasar tras la falsa pared-mueble expositivo, comenzamos a incluir las obras mencionadas. Mi propuesta sería, para empezar, colocar colgando de la barra donde están las luces led (pared izquierda), sobre los alicatados, Dibujos y pinturas. Las piezas originales tienen un QR al lado para explicar la pieza, creo que algo similar encajaría en este caso, además de una plaquita con el nombre de la pieza, la autora y autor y materiales+técnica.

Para continuar, la cerámica podría dialogar tanto con las cerámicas de la vitrina como con el jarrón de las gacelas, pero quiero evitar el efecto “comparación”. No querría que las visitantes tendieran a comparar ambas, si no que vieran la influencia y los lazos que las unen a través del tiempo. Por ello, se me ocurre colocar la pieza cerámica en la esquina que crea el mueble expositor (que en ese espacio no tiene nada, solo es madera) y en el suelo colocar unos vinilos con líneas y surcos de una infografía visual, como la utilizada por artistas para el estudio de sus proyectos. Estas líneas interactúan con los objetos de la sala, por ejemplo señalando al jarrón y con una nota de fuente tipo “escrito a mano” diciendo “estudia/investiga” y otra línea que se dirige a las cerámicas y alicatados con notas tipo “hereda de”, y otras notas a parte, incluyendo con las del alumnado de artesanías, que presento en breve.

Finalmente, el trabajo del alumnado de restauración y artesanías iría en una vitrina, donde está el panel informativo a la derecha de la sala. En lugar de sustituir el panel informativo, se colocaría una vitrina alargada + panel informativo actualizado donde venga parte de la información que ya hay (y un QR de “continuación”) además de información sobre estos estudios, las aportaciones a museos y notas sobre restauración, así como fotos. En la vitrina destacarían algunas obras, tanto acabadas como en proceso, de estos módulos y artesanos. Añadiría un QR justo en la zona de salida, también. El motivo es que muchas salas expositivas tienen entrada y salida por el mismo sitio, haciendo que las visitantes puedan hacer foto o recordar puntos clave al irse (a mi me pasa). Pero en este caso es una entre siete salas, así que la salida es diferente. De este modo, el QR sirve al mismo tiempo de “despedida” (indicando a las visitantes que pueden cambiar el “mood” de nuevo) y de recordatorio sobre información relacionada. Para ello habría que tener una web preparada.

Adicionalmente en el boceto he incluido cosas como que el estante para la cerámica tenga silica para mantener la pieza, y que incluyan la vidriera y ese mueble altavoces y braille.

Nota: no se ha usado I.A. en ninguna fase del proyecto. Las imágenes son bocetos y fotos mías o capturas de la web oficial.

Y en esta situación de confusión corporal, miedo (muchísimo miedo), amor (muchísimo amor) y alegría, estaban mis manos. Las manos me ayudarían a agarrarme a ese hilo que siempre me había conducido emocionalmente: el arte. Escribir, dibujar, construir algo o sostener un libro. Por otro lado estaban mis senos, irreconocibles, anunciando que dejarían de ser míos (¿lo fueron alguna vez? Nunca nos hemos llevado bien) una temporada.

En el absoluto y destructor cansancio y constantes náuseas, otra parte de mi me agarraba, me decía que esa criatura necesitará comprender muchas cosas a través de mí. Antes de quedarme embarazada, nunca me asustó eso: me encanta enseñar. He enseñado en clases a niñes, tanto en infantil y primaria como en secundaria. Me gusta acompañarles, meterme en su mundo para añadir más ideas y más preguntas (que no les faltan). Pero miraba mi vientre, cada vez más hinchado, y me entraron mil preguntas que yo no he sabido responderme a mi misma aún por mucho que he leído al respecto. ¿Cómo esquivar el ángel del hogar de Woolf, escribir, leer y protestar, a la vez que criar con amor y presencia? Mi “antenita” en las librerías y bibliotecas que siempre estaba apuntando a los feminismos, el género y la crítica institucional del arte ahora apuntaba hacia la crianza, les hijes y la educación.

Cuando di a luz, tras un parto de dos dolorosos días, de mí quedaban asustadizos escombros, senos doloridos y un amor que era tan grande que no cabía (literalmente sentía que no cabía) en mi pecho. Entre mis escombros encontré un hueco para leer, pero todo lo que leí me enterraba más en el papel de maternar que no encontraba adecuado. Entre tanto, mi bebé, mi hija, agarraba con toda su fuerza mi piel, pinzaba mis pezones y comía hasta hartarse.

Con toda esa emoción, toda esa fuerza, miedo y amor quería crear pero sólo me vi capaz de criar (que no es poco, tampoco). Dibujaba mucho, la dibujaba a ella. La dibujaba comiendo de mí, la dibujaba durmiendo, la dibujaba en brazos de su padre... pero sin salir de su fuerte gravedad, un magnetismo arrollador en la criatura más pequeña y vulnerable.

El día en que mi hija se lanzó de pronto, cogió una de mis ceras con sus manitas y la estampó en un papel, mi corazón dio un vuelco de emoción. Tengo ese papel pegado de la forma más rudimentaria en mi pared, no quería perder ni un segundo en tenerlo frente a mí. Me recuerda el mismo instante en el que la personita que más quiero descubrió que puede reflejar algo sobre un papel, para mi fue como sus primeras palabras en un nuevo idioma. Es uno de mis lenguajes favoritos. Me he obligado a mi misma a no empujarla.

He hecho materiales para que ella explore y descubra la experimentación artística como parte de un proyecto de mis estudios, pero usarlos o no y cuándo... eso es decisión suya. Mentiría si no digo que me llena de alegría verla elegir alguna de esas actividades, pero no quiero entrometerme en su exploración.

En cuanto mi hija con poco más de un año parece estar descubriendo su propia forma de expresión, aún agarrada metafórica y realmente a mi pierna, he descubierto que aún estaba ahí la creadora, y no solo la criadora. Podía expresarme y redescubrirme, con una crianza compartida y amable. Puedo -y quiero- acompañar a mi niña en su vida y experimentos vitales y a la vez volver a construir la mía, en una suerte de lazos que se anudan, se desenrollan, se revuelven en caminos opuestos y luego se entrelazan de nuevo más fuerte.

La afectividad de la crianza como la llama vital que enciende todas las emociones y conmueve.

Este artículo son una serie de notas realizadas para un trabajo universitario sobre la obra “Condensation Cube”, que seleccioné entre una lista por diferentes motivos. En el ejercicio original hay más notas, indicando una estimación de horas, tareas y precio para el desarrollo y producción artística de una obra como la estudiada, pero me he saltado esas secciones aquí.

La obra

Nombre: Condensation Cube Año: 1963-1967 Autoría: Hans Haacke Tipo de obra: Instalación/escultura Materiales: Metacrilato y agua destilada Número de ediciones: 5 Dimensiones: 76 x 76 x 76 cm

Nota: datos obtenidos de la ficha técnica del MACBA, Disponible en línea en https://www.macba.cat/en/obra/r1523-condensation-cube/

Descripción del proyecto

Se trata de una instalación aparentemente simple: un cubo de metacrilato, parcialmente lleno de agua destilada. Dependiendo de donde se instalase la obra, esta reaccionaba de forma diferente, evidenciando este cambio a través de vapor y gotas de agua condensada en el cubo. Estos cambios, que evocan ecosistemas, señalan a la estancia. Reflejan la importancia del entorno, en tanto y cuando depende de este para mutar, y plantea cuestiones sobre este. La obra posterior del autor sería enmarcada dentro de la categoría de crítica institucional, pero en el caso de esta obra, se trata de una suerte de experimentación inspirada por los procesos físicos y su dependencia al entorno. El artista estaba interesado en la biología, la cibernética y las áreas interdisciplinares que conformaban los engranajes de estas. A través de esta instalación se exponen esas dependencias y pone sobre la mesa unos elementos que tienen entidad propia por separado y en conjunto conforman un entorno.

Notas sobre el contexto afectado y artista

La inspiración para esta instalación surge del interés por lo vivo, entendido no solo como un ser vivo, si no como una mezcla de elementos que, ensamblados, evocan vida. La falta de control sobre algunos elementos -o todos, a lo largo del tiempo- puede devenir el ecosistema más simple en imprevisile. ¿Qué hay más simple que la temperatura, el agua y el tiempo? Para realizar el proyecto, hay que partir de la idea general de ecosistema, reflexionar sobre ella, y una vez se ha visualizado ir reduciéndola a la mínima expresión. Más allá de los seres vivos que puedan habitar el entorno (y que en muchos casos lo mantienen), se puede llegar a la conclusión de que el ciclo gira entorno al agua y su flujo. En un contexto de macro entornos, esto incluye ríos, mareas, lluvias, rocío y otros sucesos más complejos alrededor del ciclo del agua. Haciendo una lista de algunos de esos procesos, se pueden obtener los puntos en común, hasta llegar a los componentes agua y entorno. Al buscar información al respecto, he descubierto que es fácil llegar a esa asociación de un cubo de condensación según de qué país seas, ya que hay un experimento escolar más o menos común sobre condensación de agua usando hielo dentro de una lata. Más allá de lo estrictamente científico, el agua evoca vida, y por lo tanto usarlo como reminiscencia de un ecosistema tiene sentido. Una vez la idea se ha plantado, lo siguiente es el diseño que acompañe esa idea de simpleza, y sea muy visual. El problema del experimento escolar de la lata es que no se puede ver el interior desde fuera sin estropear la obra, el ciclo termina al asomarse para ver el resultado. Por ello, hay que plantear la construcción de una estructura minimalista (destacamos que el minimalismo comienza también en los sesenta del siglo pasado, de modo que si me pongo en los zapatos de Haacke, naturalmente me puede atraer buscar esta clase de diseño) que permita ser ojeada y aún así mantenga su ciclo.

Notas breves sobre los costes

Para este proyecto, los costes pueden variar dependiendo de varios factores. En el caso de que la ayuda y consejos de otras áreas (biología, física, etc) sean aportaciones sin ánimo de lucro, no habría nada que añadir en los costes. Sin embargo, si se trata de una consulta profesional, habría que ajustar los costes para incluir ese gasto. A parte de eso, destilar el agua puede hacerse relativamente fácil con materiales caseros, pero también puede comprarse el agua en un comercio especializado (por ejemplo, el que se usa para planchar, para experimentos de química, etc). El metacrilato no sólo ha de contarse como tal, si no como las herramientas y adhesivos necesarios para que la instalación no se estropee.

Notas conclusivas

El proyecto, una vez finalizado, tiene entidad propia y depende del entorno con el que interactúa. Como objeto es una obra de apariencia simple, pero en su estado y contexto de escultura, mantiene un ciclo a través del cual se señala a sí misma y señala la instancia. Además, una vez terminado, “viviendo” a través del contexto de sala expositiva, hay un paso más a considerar. Me preguntaba qué sería de la obra a lo largo de los años y si, como si fuera una reflexión Zen, una vez se deteriora, se quiebra o se nubla, simplemente termina su ciclo. Sin embargo, he encontrado un artículo sobre la conservación de la obra en “Hirshhorn Museum and Sculpture Garden” del Smithsonian. Al parecer, los comisarios han pedido permiso al autor para sustituir la instalación por otra nueva para mantener el concepto “vivo”. Si yo me hubiese puesto en lugar del artista, en este caso no tengo claro si hubiera elegido lo mismo, lo que me parece interesante a la hora de comparar contextos. A las instalaciones originales le ocurren todo tipo de cosas, precisamente por esa fragilidad del ciclo, incluyendo por ejemplo que el agua destilada estuviera contaminada y apareciesen hongos. Con esto quiero decir que el resultado es, en realidad, una idea viva en sus respectivos espacios expositivos y, la materia, un medio para narrarla.

Enlaces de interés

Artículo sobre la conservación de la obra y como se pide permiso al autor para hacer nuevas, con la intención de preservar la idea

Webs de consulta sobre la obra:

https://www.macba.cat/en/obra/r1523-condensation-cube/ https://www.si.edu/object/hmsg_08.28 https://collections.si.edu/search/record/ark:/65665/py21c1d0652877f428791fe360eb893a780 https://publicdelivery.org/hans-haacke-condensation-cube/ https://laboralcentrodearte.org/en/artworks/condensation-cube-1963-2/ → en este se menciona el tema del minimalismo que me ha hecho consultar la fecha del movimiento

El anudado y entrelazado de hilo es un lenguaje fundamental, incluso si no tenemos ese hilo, ni ningún torpe sucedáneo hecho de las tiras de tallos bajo la nieve. No son necesarios, sólo hace falta ver la suave danza de despedida antes de un viaje: trazar los hilos del propio destino para llevarnos lejos. Los dedos no danzan aleatoriamente (aunque las niñas jueguen a bailar y olviden donde dejaron sus hilos invisibles del aire), entrelazan lo que sólo pueden ver los ojos de una.

Siempre llevo encima una bolsa con pequeñas cuentas metálinas, unas doradas y otras azules, que su madre-vientre me había regalado. Como cualquier Hija de la Nieve entrando en la adultez, realmente no me hacen falta porque mis ojos cazan rápido el patrón del anudado y mi mente memoriza ideas para nuevos patrones, pero es relajante tomar notas sobre el tejido. Antes de anudar, con hilo blanco anoto los dos patrones básicos, como me enseñaron de niña.

Me preparo, colocando estacas en el suelo para sujetar un extremo del telar y anudando firmemente el otro extremo a modo de cinturón. Me siento de rodillas, tengo al lado una pequeña bolsa con todo lo necesario.

Para empezar, antes de lanzar, anudo un hilo blanco en un extremo, coloco una cuenta dorada. Un nudo más: coloco el patrón dorado-azul-dorado. Suena la voz de Hamda – mi hermana mayor- en mi cabeza, repitiendo “siempre empezamos por el dorado, atrapamos la vista”.

Otro hilo blanco nuevo, anudo, coloco esta vez una cuenta azul, anudo de nuevo. Coloco entonces el patrón dorado-azul-azul-dorado.

Con esto ya tengo preparadas las notas de rigor sobre los dos patrones básicos.

Empujo la primera línea del lanzador y la devuelvo, para anudar el siguiente hilo rojo al extremo de la primera línea. en este, anotaré la alternancia de los dos patrones definidos antes en los hilos blancos. Una cuenta dorada sobre el hilo rojo, simboliza el patrón que he usado al lanzar la primera línea, una cuenta dorada más para indicar que he usado ese patrón para volver. Así coloco varias, dorada, azul, azul, dorada, dorada, dorada, azul, dorada. Ya tengo mi patrón planteado. ¡Ah! aquí está la belleza, ye s que a la mitad cambio mi patrón, y para ello tengo que hacer nuedos nuevos, rojos y azules: rojos que me indican lo que ocurre a la izquierda del telar y azul que ocurre a la derecha desde el nudo. Mi madre-corazón me explicó que aquí había belleza: el destino planteado puede cambiarse y aún así se puede plasmar y tejer. Crear patrones para luego romperlos, en el momento más bello, como oír una avalancha a lo lejos a sabiendas que estás a salvo. Rompes y creas a la vez.

A veces a través del arte nos llegan respuestas a esa pregunta, a veces no. Con frecuencia nuestro imaginario de lo que es el arte se centra en un análisis estético (me gusta no me gusta, se parece no se parece), pero hay mucho más detrás de cada obra, más allá de la percepción estética: nos habla de un contexto. Cualquier autore crea en un contexto. En un lugar, en un momento, con una serie de ideas preconcebidas o una u otra educación. Algunas obras están pensadas para plantear preguntas, o acoger una idea que nos lleva a interrogantes (aunque no estén definidos aún). Qué interrogantes se plantean nos dicen muchísimas cosas de ese momento, de esa persona. No se trata de señalar necesariamente a una persona para alabar su genio, si no más bien descubrir esas voces que nos hablan de contextos, incluyendo las que sabemos que son excepciones, porque las excepciones señalan lo común y lo exponen.

Pero a ver ¿De qué estás hablando? ¿A dónde quieres llegar?

Obrar el arte es un lenguaje atemporal y humano, que nos pregunta cosas a lo largo de generaciones, y a través de esas cuestiones nos define sociedades. Algo así como un legado vivo que muta porque evoca diferentes sensaciones a espectadores a lo largo del tiempo, pero que además oculta, enterrado, un mensaje sobre su autore y su contexto.

Incluso el arte que no te gusta, o el arte que tu cuñado dice que puede hacer su bebé golpeando sus manos pintadas sobre un papel, hace una marca en una línea del tiempo.

Por cierto, la experimentación artística en infantil es algo que se puede practicar y beneficia a infantes y familiares, pero sobre cuidados, cariño y respeto no se alimenta un cuñado.

Incluso el arte que te asombra porque pensabas que estaba hecho anteayer y tiene cien años, todo eso esconde mensajes del pasado. De una persona que vivió, más allá de ese momento preciso de crear, y ese contexto le dio una particular inercia artística, diferente a la que tú y yo tendríamos aunque quisiéramos con todas nuestras fuerzas imitar.

Hamda Bint Ziyad, cantora y poeta, se bañaba en el río Genil allá por el siglo XI, junto a sus compañeras. Una de ellas le pareció tan radiante, tan espléndida, que se enamoró y escribió sobre su amor por ella, usando como escena una descripción del río como un ideal de naturaleza y vida, en un poema llamado “Río Protector”. Muchos muchos años después Lorca miraría también hacia el Genil (y el Darro), escribiría Baladilla de los tres ríos y descargaría sobre las hojas melancolía, hasta comprar los ríos con sangre¹. Ahora me asomo al Genil, y observo una grúa sobre cemento, retirando barro junto a un arroyo. Los tres (disculpadme la comparación) miramos al mismo río, pero no era el mismo río, no tenemos las mismas palabras y nos escrutan miradas diferentes.

Tengo una duda. ¿Qué ocurre si dejamos de asumir esa inercia como humana? Nuestro legado contextual se disuelve en una cacofonía estadística.

¿Qué queremos que descubran las siguientes generaciones cuando asomen curioses la cabeza para descubrir nuestros contextos e inspiraciones?

Cuando digo que la IAGen no es arte no hablo sólo del extractivismo, el robo indiscriminado a artistas o el impacto climático. No es sólo un despecho activista.

Estoy hablando de que para crear, para hacer una marca en esa línea temporal, hay que vivir y expresar.

Un prompt es una descripción cuya salida nos guía por un camino marcado de una coctelera digital.

Un prompt que trabaja con una estadística entrenada nunca nos hubiera contado que se enamora de lo prohibido. No nos aplasta en la angustia atractiva de una Baladilla. No es humana, es un cúmulo de expresiones humanas que no expresa ningún contexto en particular porque asume un genérico que no existe.

No dirá nada.

Sigamos diciendo cosas al aire con nuestros contextos. Incluso esa línea imperfecta o ese poema a la mitad, son marcas para nuestras amigas del futuro que quieran saber quienes fuimos.

1) (aunque es un recurso para hablar de Granada como la sangre de Dioniso)

La espacialidad no es neutra, además de los textos de los recursos, es espacio expositivo y los museos han sido pieza de análisis de diversas autoras. Blanca Arias pone de manifiesto que el museo es un cuerpo, habla de ablandar lo que ella llama el “Cubo blanco”, ensuciarlo, aplastarlo -y mucho más- apelando a su ternura (1). Me he acordado de esto al leer el capítulo “Contexto sociopolítico y artístico de la emergencia de la crítica institucional” del recurso de Intervenciones en el espacio público desde la crítica institucional, cito exactamente:

Ukeles llamaba la atención sobre los trabajos realizados habitualmente por mujeres en el ámbito privado, doméstico, trasladándolos al espacio público y situándolos al nivel de la contemplación estética. Al hacer esto conectaba la construcción neutral de la institución, sus espacios blancos e inmaculados, con las tareas de limpieza y mantenimiento. Es decir, hacía ver que la ideología de la autonomía del arte se sostiene(...)

Se habla aquí de espacios blancos e inmaculados, y me parece una imagen muy recurrente (Arias la toma también para intentar, posteriormente, ablandarla). Chantal Maillard También expone la percepción y la disposición del espacio expositivo (2) y lo hace comparándolo con un templo. Un templo predispone, no es neutro (incluso si su pulcredad y estructura así lo quiere aparentar). Las fieles al templo observan pausadamente cada obra incluso si ésta -en un travieso intento de sacarnos del hechizo- te incite a ello. Clémentine Deliss directamente expone (3) el origen colonial de muchos trabajos museísticos, rompiendo del todo el debate sobre la neutralidad de los espacios expositivos. ¿Cómo va a ser neutral algo que es, en sus entrañas, sus cimientos, apropiación y colonialismo? También habla de esto Laura Raicovich, que directamente dedica un capítulo entero al “problema de la neutralidad” en su libro Culture Strike and Museums in an age of protest. Empieza el capítulo hablando de cómo las contraposturas se politizan mientras que las “posturas” se neutralizan (lo cito directamente en inglés porque tengo la edición en inglés y no quiero pecar de poner traducciones libres): 

We tend to treat people on the fringe as ideologues and those in the center as neutral, as thought the decision not to own a car is polititcal and the decision to own one is not (...)

y por supuesto las posturas del diseño de espacios museísticos se rigen por las mismas posturas, haciendo que todas esas autoras escriban sobre acariciarlos, enternecerlos, romperlos, señalarlos, protestar (contra ellos). Con la intención de señalar que el arte no se erige sobre la neutralidad, si no sobre el contexto, sus violencias y sus amores.

(1) Blandito blandito, ¿qué le hacemos las feministas al arte? (2) Contra el arte y otras imposturas (3) El museo metabólico